Arrivano gli anni 60 e le contraddizioni ed i
problemi della minoranza nera negli USA esplodono in maniera virulenta. Negli
stati del Sud i neri sono
In calce i testi di due dei suoi blues più famosi
ed una discografia parziale della sua opera.
Jimmy Dawkins: heavy blues…
di Guido Sfondrini
MOANIN' AT MIDNIGHT (Chester Burnett, Arc Music Corp- BMI)
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sensazione
che mi dava l’ascolto di quella musica era di disperata nostalgia e di rabbia
repressa ed il buon Peter, a quei tempi, riusciva molto bene a comunicare tutto
ciò… In seguito sono andato a vedere chi era l’autore di quel blues; sulle note
di copertina del disco era scritto: J.B.Lenoir… e mi sono detto: “Toh’… ma è lo
stesso di quella canzone di Mayall, "The Death Of J.B.Lenoir", di cui avevo
consumato i solchi della traccia sulla mia copia di Crusade". Io allora non
sapevo di chi fosse quel nome un po’ strano che sapeva di pronuncia francese e
di posti esotici. Dietro quel nome c’era un bluesmen e un uomo vero, un autore
tra i più significativi del blues urbano postbellico, uno che guardava in faccia
la realtà, anche quella più scomoda e inquietante, e l’affrontava a viso aperto,
senza timore di dire e cantare quello che pensava realmente. 
sottoposti
ad un vero e proprio apartheid, minoranza sfruttata e privata dei diritti più
elementari: scoppia la questione dei diritti civili. Sono anni duri di scontri,
politici, fisici ed ideologici. Si impongono personaggi come: Viola Lee, Malcom
X, Martin Luther King, LeRoy Jones, Bobby Seale e Huey P. Newton, leaders del
Black Panther Party, e poi Angela Davis e molti altri. La black people prende
coscienza e impone il proprio ruolo alla società americana bianca dell’epoca. La
musica è una componente culturale fondamentale per i neri d’America, attraverso
il jazz con Coltrane, Parker e Mingus; il soul con James Brown ed il blues con
gente come JB Lenoir e Jimmy Dawkins: quale mezzo migliore per comunicare la
propria rabbia e voglia di riscatto sociale ad una vastissima platea mondiale? JB viene facilmente coinvolto da questa atmosfera.
E' il momento del folk blues ed
i bianchi si avvicinano sempre di più alla black music. Il Blues comincia a
diffondersi a livello mondiale, prima di tutto in paesi europei come la Gran
Bretagna, i paesi Scandinavi, la Germania, la Francia e l’Olanda. JB si adatta
ai tempi, molla il R'n’B spettacolare che aveva suonato negli anni 50 ed
imbraccia la chitarra acustica tornando al blues scheletrico ed essenziale delle
origini. Aiutato da un personaggio carismatico come Willie Dixon, partecipa
all’American Folk Blues Festival nel '65 (carovana itinerante fondamentale per
far conoscere il blues nei paesi citati in precedenza). Nell'anno del definitivo
coinvolgimento degli USA nella guerra del Vietnam, Lenoir incide brani mitici
come "Alabama Blues" e, appunto, "Vietnam Blues", coadiuvato dallo stesso Dixon
al contrabbasso e dal batterista Fred Below. 
Hound
Dog Taylor (Theodore Roosvelt Taylor) non è stato un “grandissimo” del blues
urbano, ma avrebbe potuto esserlo se le vicende della vita gli avessero offerto
opportunità diverse e soprattutto con tempi diversi, che so… magari un incontro
con un grande protagonista del blues, tipo Muddy Waters o Willie Dixon ad
esempio, oppure con un produttore discografico di spessore, invece nulla, questo
avverrà per lui solo nel 1970 quando ha già 55 anni ed i furori interpretativi
giovanili sono forzosamente ormai un po’ declinanti. Nasce a Natchez nello stato
del Mississipi nel 1915 da famiglia povera o, come si direbbe nel tristo
linguaggio odierno, “incapiente” e questa non è certo una novità per un artista
blues. Impara a suonare prima il piano e poi la chitarra. Viene al mondo con 6
dita per mano ed è proprio per la malformazione che - leggenda vuole - inizia
con il pianoforte. A 21 anni partecipa al leggendario radio show King Biscuit
Flowers Hours con Sonny Boy Williamson, che veniva trasmesso dalla KFFA
Radio da West Helena, in Arkansas. Nel 1942 ha grossi problemi con i razzisti
del Ku Klux Klan perché “colpevole” di avere avuto una storia con una donna
bianca ed in conseguenza di ciò è costretto a fuggire dallo stato del
Mississippi e a seguire il percorso itinerante comune a molti musicisti neri in
quegli anni, si stabilisce a Chicago e suona la chitarra slide (una chitarra
giapponese da pochi dollari) tra un impiego precario e l’altro per sbarcare il
lunario. Nel 57 comincia a suonare per professione, conquistandosi uno spazio
nel celeberrimo mercato di Maxwell Street, dove si esibivano live on the road
molti musicisti blues, celebri o rimasti nell’anonimato (John Lee Hooker nel
film The
Blues
Brothers è immortalato mentre suona proprio in Maxwell Street). In quell’ambiente
conquista una certa notorietà con un suono particolarmente sporco e rauco e con
i suoi giri boogie ipnotici e coinvolgenti. Negli anni 60 registra alcuni 45 gg.
per le etichette Bea & Baby, Firma Record e Checker. In seguito forma anche una
vera e propria band: The Houserockers, con il chitarrista ritmico Brewer
Phillips, anche lui nativo del Mississipi e il batterista Ted Harvey (ex drummer
di Elmore James), i tre diventano attrazione fissa al Florence’s Lounge Bar,
noto locale del Southside e qui nel 70 vengono notati da Bruce Iglauer, giovane
bianco appassionato di blues e impiegato presso la celebre etichetta Delmark
(una delle più produttive e di qualità per il blues urbano, specie nei 60 e 70),
ma con il pallino del fare le cose in autonomia e con in mente progetti
importanti. Iglauer, mollata la Delmark, fonda l'etichetta Alligator, ben nota a
tutti i lettori e che tutt’oggi rimane un punto fermo nella produzione di musica
blues a livello internazionale. Il primo lp prodotto nel 71 dalla label di
Iglauer è proprio Hound Dog Taylor & The Houserockers. I suoni sono
quelli dei tempi di Maxwell Street, senza fronzoli o tentativi di addomesticare
il grezzo boogie di Taylor, il risultato è ottimo e ottiene un insperato
successo; la mancanza del basso nella
formazione
rende il loro sound particolarmente crudo e metallico e facilmente riconoscibile
da un pubblico affamato di novità. Il successo del disco (vende quasi 10.000
copie…tante per un disco di blues prodotto da un etichetta indipendente) è
accompagnato da un tour negli USA con Big Mama Thornton e Muddy Waters. Arriva
poi il secondo lp: Natural Boogie (registrato nella medesima session del
primo lp), destinato a diventare un classico del blues elettrico anni 70 e dopo
un live tour in Australia e Nuova Zelanda con Freddie King, il terzo lp degli
Houserockers (che uscirà postumo nel 1976): Beware The Dog, live album
registrato alla Northwestern University di Evanston, Illinois e allo Smiling Dog
Saloon di Cleveland, dove ancora di più si evidenziano le caratteristiche
“tribali” del blues di Taylor, con la sua sferragliante slide, la martellante e
atipica ritmica Phillips/Harvey e la sua voce piena di pathos, inoltre le lyrics
dei suoi blues sono molto semplici, legate al ritmo della musica, quasi
onomatopeiche. Particolarmente acclamato dal pubblico blues più giovane, incassa
finalmente quel successo che se fosse arrivato prima lo avrebbe probabilmente
incluso nel meglio del blues di Chicago del decennio, ma nel 75, all’età di 60
anni (era un accanito fumatore e bevitore impenitente), si ammala di cancro e
scompare nel dicembre dello stesso anno. Lascia tre soli dischi che lo hanno
comunque consacrato come uno dei bluesmen più originali degli anni 70 e che
nell’84 lo fanno giustamente entrare nella Blues Hall Of Fame. La Alligator fa
uscire sul mercato in seguito: Genuine Houserocking Music e Release
The Hound, raccolte di brani live sempre molto interessanti e nel 98 il cd:
Hound Dog Taylor-A Tribute con versioni dei suoi brani (Hawaiian Boogie,
Let’s Get Funky, I Just Can Make It, Taylor’s Rock ecc…) suonate da Magic Slim,
George Thorogood, Sonny Landreth, Son Seals, Gov’t Mule, Elvin Bishop e molti
altri. Per sintetizzare la carica della sua musica tutta ritmo, aggressività,
semplicità e immediatezza, qualcuno l’ha definito il “Ramones” del blues… RIP
Fa
piacere per una volta scrivere di un musicista blues…vivo !!! Spesso queste
retrospettive sono dedicate a bluesmen (woman), nati all’inizio del 20° secolo,
che hanno lasciato tracce mitiche della nostra musica, ma che per questioni
meramente anagrafiche sono (purtroppo) scomparsi…Bene, Jimmy Dawkins è tuttora
vivo e vegeto e benché non più giovane è ancora presente sulla scena blues, sia
nell’attività live sia per le incisioni discografiche. Dawkins è un
chitarrista/vocalist, proveniente da Tchoula, Mississipi, dove è nato
nell’ottobre del 1936 ed appartiene a quella generazione di musicisti blues
cresciuta artisticamente negli anni 60, cioè in un periodo pieno di avvenimenti
storici per la comunità afro-americana ma anche di drammi, lutti e di una
definitiva presa di coscienza di diritti fondamentali e della propria identità
culturale. Jimmy riceve in regalo dalla madre la sua prima chitarra nel 1952, i
giovani neri dell’epoca solevano chiamarsi tra loro con i nomi dei loro eroi
musicali: John Lee Hooker, Muddy Waters ecc…e l’ambiente dove avveniva la loro
maturazione grondava note blues in tutte le direzioni. Nel 1955 Jimmy Dawkins si
trasferisce a Chicago, Mecca del blues urbano, proprio in un periodo che
coincide con un momento di esplosiva creatività per molti artisti blues. Il
giovane Jimmy è presto coinvolto da tutto ciò e le sue acerbe preferenze
musicali vanno verso artisti come Fats Domino e Smiley Lewis ( a cui dedicherà
un omaggio in uno dei suoi migliori lp: Blisterstring). Dopo una parentesi di un
paio d’anni come operaio in una fabbrica di imballaggi, Dawkins comincia la sua
carriera di musicista professionista nella band dell’armonicista Lester Hinton,
in questo periodo ha l’occasione di suonare anche con Jimmy Rogers, Smokey
Smothers, Koko Taylor, Guitar Slim e altri nomi importanti del Chicago blues.
Accumula una notevole esperienza on stage e dal vivo spettacolarizza molto la
sue prestazioni con movenze acrobatiche e suonando la chitarra con i denti
(atteggiamenti comuni a molti bluesmen, ad esempio T.Bone Walker, che poi
verranno ampiamente ripresi da rockstar come Hendrix e Mick Jagger), nel 60 la
sua prima incisione come sessionmen nell’lp: Chicago Blues di Johnny Young edito
dalla label King/Federal. Nel 69 il passo verso il primo lp solista è ormai
maturo, messo sotto contratto dalla
Delmark,
esce il 33 gg.: Fast Fingers, con Lafayette Leake al piano e Mighty Joe Young
seconda chitarra, il disco si apre con una killer cover di It Serves Me Right To
Suffer di John Lee Hooker, che fa subito capire dove va a indirizzarsi il suono
di Dawkins, verso un blues duro e sofferto, senza compromessi, immerso
pienamente nel drammatico momento storico che vivono i neri d’America nel 1969,
un ottimo esordio. Il disco vince il Grand Prix du Disque dell’Hot Club de
France ed ottiene recensioni meritorie dalla critica specializzata. Tour europeo
nel 71 e due lp con musicisti francesi e il chitarrista Mickey Baker per la
Vogue e la Black & Blue: Jimmy Dawkins e Tribute To Orange. Ma tornato negli
USA, sempre per la Delmark, registra: All For Business, il risultato è un disco
formidabile, per contenuti e forma. Risentendo le sue prime note ancora oggi fa
accapponare la pelle !!! Chicago blues allo stato puro, suoni cattivi e una lead
guitar ruggente, Jimmy lascia quasi del tutto il ruolo della voce al cantante
Big Voice Odum, che raccoglie la sfida fornendo una prestazione eccellente, alla
seconda chitarra un grande del blues elettrico: Otis Rush e James Conley al
sassofono; brani come l’omonima All For Business, Moon Men, Born In Poverty e
Welfare Line Blues dicono tutto, soprattutto gli slow blues, drammatici e
coinvolgenti…e Sweet Home Chicago che non è lo standard di Robert Johnson, ma
uno strumentale dove duellano senza tregua per quasi otto minuti le soliste di
Dawkins e Rush, per me un must del blues urbano anni 70. In seguito nel 72
registra a Londra: Transatlantic 770, ottima jam session con musicisti del
british blues come: Bob Brunning (Fleetwood
Mac
e Brunning Sunflower Blues Band), Tony Stevens (Savoy Brown e Foghat), Chris
Mercer (Bluesbreakers e Juicy Lucy) e il pianista Pete Wingfield (Jellybread),
uscito per l’etichetta Excello, anche questo è un buon lavoro, da ri-ascoltare
con attenzione. Poi altri tour in Europa e Giappone, Dawkins scrive con successo
sul magazine Living Blues, registra con la label francese MCM per la serie di
live recordings: Direct From Chicago, curata da Marcelle Morgantini (avevo
questi dischi live, intitolati: I Want You Know e Come Back Baby, blues
veramente ruvido e bollente con la chitarra distorta di JD grande protagonista
ma con una registrazione di mediocre qualità); suona al Festival di Montreux con
i fratelli Meyers, Lafayette Leake e Fred Below, ne esce il disco: Montreux
Blues Festival lp antologico, credo, oggi introvabile. Con la metà dei seventies
la band che supporta JD è composta da: Jimmy Johnson ( 2nd gtr), Silvester
Boynes (bass) e Tyrone Centuray (dms.), con questa band registra nel 76:
Blisterstring (Delmark), che conferma la qualità del suo blues ma con qualche
calo di concentrazione, la furibonda intensità emotiva dei primi lavori va un
po’ a perdersi, ma forse sono i tempi che cambiano ad influenzare il tipo di
sound prodotto. Da segnalare che la cd-r di questo disco (come quella di All For
Business) contiene alcuni interessanti brani inediti; inoltre l’ottima band di
JD supporta Otis Rush nel rovente: Live In Japan del 75. Con la fine degli anni
70, JD suona molto dal vivo, ma ritorna in studio di registrazione solo nell’81
con: Hot Wire con il batterista Jim Shutte e poi mette in piedi una casa di
produzione discografica, la Leric che produce lavori di Queen Sylvia Embry, Tail
Dragger, Nora Jean Wallace e altri artisti. Poi ancora alcuni sporadici lavori
discografici sino a: Blues And Pain (Ichiban 94) un ottimo cd che lo riporta
alle sonorità anni 70 a lui più congeniali, spicca il brano Lonely Guitar Men
che riperpetua la sua migliore vena compositiva. Dawkins, musicista poco incline
a concedersi ai media e geloso della sua privacy, continua coerentemente il suo
rapporto con il pubblico attraverso il blues, nel 99 effettua un tour nei paesi
Scandinavi e suona nei blues festival in giro per il mondo, nel 2004 la sua
ultima fatica discografica con il cd: Tell My Baby (Fedora 04). Jimmy Dawkins è
un bluesmen vero, uno che ama la musica che fa, concedendo poco (o nulla…) alle
mode, suonando il suo blues sempre con feeling e passione, i suoi primi lavori
degli anni 70 non possono mancare nella “discoteca blues” ideale di ogni
appassionato, sono dischi bellissimi che toccano le corde più profonde con i
loro suoni blues drammatici e coinvolgenti, i testi sempre attenti al sociale e
alla vita reale della comunità afro-americana, di ieri e di oggi. Lunga vita!!!
Da ragazzo
era soprannominato Big Foot Chester e Bull Cow per la sua stazza già imponente
(era alto 1.98 e pesava più di 130kg.), da adulto lo soprannominarono Howlin
Wolf per la sua voce lupa e grezza e per i tipici ululati e il mumbling
gutturale che emetteva quando cantava i suoi blues. On stage cadeva in una sorta
di stato di trance e trasudava erotismo da tutti i pori, totalmente coinvolto
dal ritmo ipnotico della sua musica. Contrappuntava la propria voce con il
bending distorto della sua blues harp, sostenuto dal ritmo incalzante della band
impegnata ad accompagnarlo e dalla lead guitar di Hubert Sumlin… 
registrazione
è: Moaning At Midnight/ How Many More Years per la RPM Records alla fine del
1951. Ad accompagnarlo alla chitarra Willie Johnson, alla batteria Willie Steele
e al piano Ike Turner, futuro protagonista del soul con la moglie Tina. Con lui
in questo periodo suona anche il chitarrista dell’Arkansas Auburn “Pat” Hare
(morto in prigione ove scontava l'ergastolo per l'uccisione di un polizziotto...).
Nel '53 Wolf va a vivere a Chicago, cooptato e messo a contratto dalla Chess,
etichetta monstre del blues urbano. Questo è anche il periodo del suo incontro
con un altro chitarrista originario di Memphis: Hubert Sumlin, uno che suonerà
con Wolf per tutta una vita e sarà a sua volta uno dei migliori solisti del
Chicago blues sino ai giorni nostri (Sumlin è tuttora attivo nel mondo del
blues…). Negli anni 50, brani come How Many More Years e Smockestack Lightning
sono già degli hits e nel '58 il nostro registra il primo album: Moanin In The
Moonlight. Inizia il suo periodo di maggiore creatività, si succedono brani che
hanno fatto la storia del blues: Wang Dang Doodle, Spoonful, I Ain’t
Superstitious, Goin Down Slow, Little Red Rooster, Evil, Back Door Men, Sittin
On Top Of The World, Commit A Crime, alcuni di questi composti in collaborazione
con Willie Dixon. Questi blues saranno ripresi da decine di musicisti, blues e
rock, neri e bianchi, diventando veri e propri standard. Arrivano gli
anni 60, Wolf ha ormai una fama consolidata e si esibisce regolarmente in note
venues di Chicago come il 708 e il Sylvio’s Lounge; in questo periodo suona
anche in molte sessions presso gli studi Chess con musicisti come Johnny Jones
e l’immenso Otis Spann. E’ l’epoca in cui il blues viene sdoganato dalla sua
esclusiva appartenenza culturale al mondo degli afro americani e comincia sempre
di più ad essere interessante per il pubblico bianco. E' anche il periodo
dell’American Folk Blues Festival e dei suoi tours itineranti in Europa e
perfino oltre la Cortina di Ferro, (solo “l’ignorante” Italia sanremese rimane
esclusa, almeno fino al 1973), di cui Howlin Wolf è stato uno dei maggiori
protagonisti. Nel '65 appare alla TV nel programma della rete ABC:
Shindig, presentato dal dj
Jimmy
O’Neill e fortemente voluto dalle emergenti superstars del rock, i Rolling
Stones. Nel '67 registra l’lp: Super Super Blues Band per la Chess, con Muddy Waters e Bo
Diddley. I tre, impegnati in un furibondo mix di blues, funk e r'n’r, alternano
al canto le loro voci inconfondibili, tra i miagolii della blues harp di Wolf,
la slide di Muddy Waters e suoni twang della Gretsch a cassa rettangolare di Bo
Diddley… un'orgia di blues elettrico travolgente e ipnotico, riascoltatelo… Nel
'71
registra per la MCA la sua London Session, con ospiti di lusso come: Eric
Clapton, Bill Wyman, Charlie Watts e Ian Stewart degli Stones, Stevie Winwood e
il giovane armonicista prodigio Jeff Carp. Il risultato è notevole ed in
particolare la cd-r expanded di questo disco, che contiene, oltre al disco
originale, le prove di studio e alcuni inediti, è altamente consigliata a
chiunque voglia ascoltare del blues black & white di alta qualità. Pur non
assistito da una salute ottimale (deve essere sottoposto a dialisi tre volte la
settimana), Wolf continua come può la sua attività dal vivo. Dopo un'infanzia di
povertà, tipica di quasi tutti i musicisti blues dell’epoca, Wolf conquista una
certa tranquillità economica. Agli inizi della carriera esagera con l’alcool e
il gioco d’azzardo, poi si sposa con Lillie e cresce le due figlie avute da una
precedente relazione. Si rimette quindi a studiare e diventa un ottimo manager di se
stesso (Wolf non solo pagava bene quelli che suonavano con lui, ma si
interessava che fossero coperti dall’assicurazione sanitaria, necessaria negli
USA per curarsi in caso di malattia): un vero bandleader a tutti gli effetti. Il
suo ultimo concerto è al Chicago Amphiteater nel novembre del '75. Wolf divide lo
stage con BB King, Albert King e Luther Allison, concludendo la sua performance con
una devastante versione di Crawling King Snake con il pubblico che gli tributa una
vera e propria standing ovation. Tornato nel backstage viene colto da malore. Howlin Wolf muore due mesi dopo, nel 1976, all’età di 65 anni all’Hines Veterans
Hospital di Hines, Cook County, Illinois. La sua voce roca è stata e rimane un
marchio inconfondibile del blues; le sue composizioni sono la storia del blues;
la sua presenza scenica, leggendaria. Con Muddy Waters, John Lee Hooker e
qualche altro, è stata una delle figure fondamentali del Blues negli
anni 50, 60 e 70. Wolf non a caso è inserito nella Rock'n’Roll Hall of Fame,
nella Blues Hall of Fame e nella Mississipi Musicians Hall of Fame. Il suo brano
Smockestack Lightning è diventato Grammy Awards come singolo nel 1999 e molte
raccolte postume di sue incisioni hanno ottenuto il Blues Music Awards. 
"Per
diventare una superstar devi cominciare a programmare tutto: come ti presenti,
che musica suoni, chi devi avere intorno, e devi dare anche retta a troppa gente
che studia la tua carriera. Io ho voluto pensare solo alla mia musica e mi sono
tenuto alla larga dal grande business". In questa dichiarazione c'è tutto il
pensiero di Rory Gallagher. Ho aspettato dieci anni per dedicargli un articolo.
Parlare dei propri miti giovanili non è facile, si rischia di cadere nella
retorica. 
intraprendere
la carriera musicale dopo averlo visto in azione. Ci credo! 
Nel
1977 suona al Montreaux Festival con Albert King, una performance documentata
nel "Live" di King. Nel 1994 suona, davanti a 50.000 fans, al First Templebar
Blues Festival a Dublino. Quello stesso anno suona al Pistoia blues festival
(foto). Mancava dall'Italia da dieci anni. Comprai i biglietti in prevendita
alla Ricordi di Bari con quasi due mesi di anticipo. Sapevo che quella serata
sarebbe stata unica per i fans dell'irlandese sparsi su tutto il territorio
nazionale. Nessuno poteva immaginare che quella sarebbe stata l'ultima
esibizione nel nostro paese. "Continental Op", "Moonchild", "I Wonder Who", "Tattoo’d
Lady", "Western Plain", ”Messin' with the Kid"... sudore, lacrime e pelle d'oca
a manetta. Il concerto terminò con una devastante "La Bamba". Ancora lacrime. Ma
è inutile scrivere le sensazioni. Chi non era presente non può capire. Alle due
di notte (non stò a dirvi come) in sette fummo ricevuti nei camerini dove era
anche allestito un piccolo buffet. Mi offri una birra... se venite a casa la
bottiglia è ancora integra in bella mostra.